lunes, 30 de octubre de 2017

Joyas de Bodas Tradicionales Indias

Al este de la cuenca árabe nos encontramos con el otrora llamado subcontinente Indio. Y cada vez que desarrollamos un artículo referido a India, nos resulta ineludible remarcar su entramado cultural complejo, tan rico como vasto y, en ésta oportunidad, al tratarse de joyería tradicional para bodas, considerar que algunos objetos -y sus simbolismos- han sido tomados de aquellas etnias que conformaron, como mencionábamos al principio, el subcontinente.


India es tierra de tradiciones, de tradiciones fuertes que responden a regionalismos fuertes. La celebración del matrimonio no escapa a ésta afirmación. Si preguntáramos como alguien imagina una novia india, sin duda nos responderían como descripción fundamental una novia de rojo (1), con un arete en la nariz y muchísima ornamentación. Ésta primera apreciación es correcta, pero el artículo de hoy busca acercarnos y precisar un poco más acerca de dicha ornamentación y sus simbolismos. 


Uno de los materiales más utilizados para la joyería de bodas es el oro. Un dicho popular versa: “Sin oro no hay boda”, y es que la presencia de éste material en éstas celebraciones se considera símbolo de pureza y también demuestra la riqueza de la nueva pareja y su bienestar. Esto es tan así que la mitad del oro que los indios compran al año es en forma de joyería para bodas y se estima que en India se celebran alrededor de 10 (diez) millones de bodas al año.

Imagen cortesía http://infographiclist.com
Image courtesy http://infographiclist.com
La ornamentación de la cabeza y rostro, es ciertamente rica. Sus accesorios más reconocidos son el Nath, o anillo de nariz, que puede tener varios tamaños (2) y está decorado con piedras y cuentas; el Tikka, un pendiente de cabeza sostenido por una cadena corta que se usa cayendo por la partición del cabello; Matha Patti, una cadena decorada que se usa alrededor del marco del cabello, es utilizado siempre junto a un tikka y es un original del sur de India. Jhoomer o Passa es una ornamentación tradicional del cabello de origen pakistaní, se engancha dentro del cabello y es generalmente llevado sobre la sien izquierda; ha tenido una gran acogida en los últimos años y hoy en día su uso se extiende por toda la India. Hair Chotli es una cadena larga y muy elaborada que se engancha en la parte exterior de una trenza, goza también de un gran éxito reciente.

Pero existe un ornamento muy utilizado en las bodas indias que varía en forma según la región, su cultura y tradiciones: el Mangalsutra. Se trata de un cordón o cadena de oro con un colgante - equivalente al anillo de compromiso o a las alianzas matrimoniales en nuestra cultura- que el novio (u otro pariente, de acuerdo con las tradiciones locales) ata alrededor del cuello de la novia como práctica ya no religiosa, sino social, de origen relativamente reciente extendido de norte a sur de la India. El mangalsutra puede ser hecho también de cuentas negras, para prevenir a la pareja de energías negativas y desplegar felicidad. “Mangal” significa “Sagrado” y “Sutra” significa “hilo” y dependiendo de la región, adopta distintos nombres y simbolismos más específicos. La región de Kashmir lo llama Dijhor o Dejhooor, es una forma interesante de mangalsutra porque se trata de un aro de oro enlazado a un cordón rojo, que los padres entregan a la novia durante la ceremonia; es considerado un símbolo de unidad y representa a la pareja de dioses conformados por Shiva y Parvatí. El arete tiene tres partes: el dejhoor hexagonal, la cadena de oro para sostenerlo llamada Ath y el At-e-Hor, un pequeño triangulo dorado colgante debajo del Dejhoor. El Dejhoor solo se utiliza en la boda y se ata con el cordón rojo. El Ath  y el At-e-Hor se atan después cuando la novia llega a su nuevo hogar. En las regiones del Rajasthan y Gujarat, el mangalsutra es hecho de oro con cuentas negras y remata con un intrincado colgante hecho de oro y diamantes. En la región de Maharashtra, en cambio, el collar es hecho de cuentas negras y  lleva dos diminutos colgantes de oro en forma de bola llamados Vaatis, los cuales representan a Shiva y Shakti. Las dos vueltas de cuentas del collar simbolizan a la pareja, alejan las malas miradas y traen felicidad a los novios. “Nirgun” y “Sagun” son dos tipos de mangalsutras de cuentas negras. “Nirgun” es cuando la cadena está hecha exclusivamente de cuentas negras y “Sagun” cuando cada nueve cuentas negras hay una separación hecha por dos cuentas de oro. En el estado de Tamil Nadu el mangalsutra adopta varios nombres (Thirumangalayam, Mangalyam, Thaaly, Kodi) y si bien usualmente es hecho de oro, adopta varias formas, conforme tradiciones mitológicas o familiares. Así, la cadena puede ser hecha de oro, monedas, diamantes y / o gemas y los dijes pueden llevar la impresión de la deidad familiar, la planta Tulsi, el dios Shiva o la diosa Meenakshi. Durante la boda Tamil, el mangalsutra es usado con una cadena de oro o “Manja Kayiru”, en la ceremonia religiosa propiamente dicha, se utiliza un cordón amarillo que luego es reemplazado por la cadena de oro con cuentas negras conocido como “Nallapusalu”. En las bodas tradicionales telugu, el mangalsutra lleva dos discos o monedas redondos enlazados a un cordón amarillo que el novio ata con tres nudos al cuello de la novia. Éste mangalsutra marca el acuerdo armónico entre las dos familias y representa la unión física, mental y espiritual de la pareja. En Kerala, los indios llaman al mangalsutra “Thaali”, también conocido como Ela thaali, por llevar un pendiente en forma de hoja de banya, la cual representa el cobijo que provee éste árbol; y los cristianos “Minnu” (un pendiente con una cruz, símbolo del cristianismo; hecha sobre un medallón con forma de corazón, que simboliza el concepto de amor). La noche antes de la boda la tía del novio extrae siete hilos del sari de la novia  y cuelga el Minnu sobre estos. Este hace el papel de thaali el dia de la boda y luego se reemplaza por una cadena de oro. Entre las mujeres musulmanas en India no usan ningún ornamento especial en general, sin embargo, en Mumbai y Bengaluru han adoptado el uso del Kali Poth, un equivalente al mangalsutra; en tanto las novias musulmanas de Kashmir usan racimos de aretes que sostienen con una delgada cadena de plata acompañado de varios brazaletes y gargantillas.

El listado de particularidades de los mangalsutras por región continúa, pero consideramos nuestro repaso suficiente para dar muestra de la diversidad y pluralidad de significados en la joyería para bodas de India… y, si como al comienzo,  continúaramos más al este en nuestro relato, daríamos con otro vasto territorio de una cultura milenaria y compleja, también llena de tradiciones a las cuales los ritos matrimoniales no son ajenos, las tierras de Guo Pei, pero esa ya es otra historia…

María de la Cruz Rojo
Artículo escrito para Croix Imagen
croixasesoramiento.blogspot.com.br


Notas
(1)    Las novias visten de rojo porque en India simboliza fertilidad y prosperidad. Sin embargo, hay regiones como Kerala donde se utiliza el sari blanco, simbolizando la pureza.

(2)    Pueden variar de 1 cm. hasta 8 cm.


Fuentes


martes, 31 de enero de 2017

Bharata Natyam

La génesis de los estilos contemporáneos de los bailes clásicos puede encontrarse en el período comprendido entre 1300 / 1400 antes  de nuestra era. La India muestra un número de formas clásicas de baile, cada una de las cuales puede encontrarse en diferentes partes del país. Cada forma representa la cultura y rasgos distintivos de una región particular o grupo de personas. Además de éstas, existen varias formas de danzas semi-clásicas que contribuyen a la plétora de bailes indios.

Bharata Natyam

La forma de arte más celebrada del estado sureño de Tamil Nadu es el Bharata Natyam. Es un estilo de baile dinámico y terrenal. Es una tradición que exige del ejecutante una total dedicación, separación de las ataduras del mundo y una sublimación del propio arte. Bharata Natyam es un nombre relativamente nuevo. Anteriormente se conocía como Sadir, Dassi Attam y Thanjavur Natyam.
La forma contemporánea del Bharata Natyam se desarrolló a fines del S. XVIII y principios del XIX. El Sadir, que fuera hasta entonces el dominio de las devadasis (chicas dedicadas a los dioses), alcanzó su nadir durante 1910/ 1930, con la degeneración de las convenciones sociales. Pero durante 1926 y 1935, bajo el campeonato de E. Krishna Iyer, la danza recobró su majestuosidad y comenzó a conocerse como Bharata Natyam.

Los danzarines del Bharata Natyam son usualmente mujeres y, como las esculturas de las que toman sus posturas, siempre danzan con las rodillas flexionadas. Es un estilo de baile extremadamente preciso, donde se utiliza un enorme repertorio de movimientos de manos– y expresiones faciales (N. del E) para expresar estados de ánimo y sensaciones.

Es una danza vibrante y muy exigente para la ejecutante. El cuerpo es visualizado como hecho de triángulos, uno encima y otro debajo del torso. Está basado sobre una distribución equilibrada del peso del cuerpo y las posiciones firmes de las extremidades inferiores, permitiéndole a las manos cortarse en una línea, para flotar alrededor del cuerpo, o para tomar posiciones que exalten la forma básica. Una característica especial de éste forma de baile son los Padams o poemas sobre temas de héroes y heroínas. El tempo de estas canciones de amor es lento y cada fase de actuación se cristaliza en un modo específica de amor.

viernes, 12 de febrero de 2016

Mitos y Símbolos del arte de la India en la Casa Nacional del Bicentenario

“Lo semejante atrae lo semejante”.  La pequeña comunidad de amantes de la India de otrora en Buenos Aires, ha tenido, en las últimas décadas, un buen crecimiento, y,  lo que antes era como encontrar una aguja en un pajar, hoy en día es más accesible. Tal vez también se trate de haber establecido entre nosotros y las informaciones, una suerte de magnetismo que nos permite, con mayor o menor articulación en dicha  conexión, estar al tanto y a tiempo. La muestra a la que nos referimos hoy es un ejemplo de ello. Se trata de Mitos y Símbolos del arte de la India en la Colección del Museo Nacional de Arte Oriental. Inaugurada el 19 de noviembre pasado en la Casa Nacional del Bicentenario, la misma tiene como ejes temáticos al hinduismo y al budismo (dos de las tantas religiones que coexisten en India) y expone más de setenta piezas realizadas entre los siglo VII y XX, pertenecientes a la colección del Museo Nacional de Arte Oriental del Ministerio de Cultura de la Nación, entre las que se encuentran tapices, pinturas, relieves y esculturas, acompañadas por un guión expositivo de sus orígenes históricos, sus fundamentos filosóficos y estéticos.

Sri Ganesha montado sobre su vahana (vehículo), la rata, acompañado por una comitiva de dioses. Tapiz. Algodón estampado. India, Colección Schiavon, Colección MNAO

Shiva y su consorte, Parvatí. Relieve en piedra. India s. XI. Donación Schiavon. Colección MNAO
Surasundari (belleza celestial), escultura de mujer en tribhanga, escribiendo una carta
en compañía de dos acólitos. Calco. El original del s. XI se encuentra actualmente en
el Indian Museum en Kolkata y es de piedra arenisca. India.
Donación Gobierno de la India. Colección MNAO.
Es una parada obligada para los amantes de India en particular y orientalistas en general. Pueden visitarla de martes a domingos y feriados de 15 a 21 hs, en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 980. Con entrada libre y gratuita, la misma estará expuesta hasta marzo del 2016. 


María de la Cruz Rojo
Croix Imagen

miércoles, 11 de noviembre de 2015

¡Feliz Diwali 2015!


"Empecinado, 
busca lo sublime 
en lo cotidiano.

(...) Patria pequeña y fronteriza, 
mil leches hay en tus cenizas, 
pero un soplo de libertad 
revuelve el monte, el campesino, 
el marinero y la ciudad. 
Que la ignorancia no te niegue, 
que no trafique el mercader 
con lo que un pueblo quiere ser."

J.M Serrat

Feliz Diwali 2015 para todos,

María de la Cruz Rojo y flia.

jueves, 17 de septiembre de 2015

Orígenes y Características del Ganesh Chaturthi



El Ganesh Chaturthi es el festival que celebra el cumpleaños (nacimiento) de Sri Ganesha; el mismo cae el cuarto día (Chaturthi) del mes brillante de Bhadrapada (entre agosto y septiembre del Gregoriano). También es el día en que Shiva nombra a Ganesha superior a todos los dioses (excepto por él, Parvatí, Vishnu y Lakshmit) y "pati" (líder) de todas sus tropas (de aquí que sea también conocido como Ganapati) y le confiere un don: cualquier persona que lo adore y que invoque su nombre antes de iniciar todo proyecto tendrá garantizado el éxito del mismo.


Se cree que Ganesha otorga su presencia a los devotos durante el festival, el mismo dura  dos días y en algunas regiones hasta diez y su término es conocido con el nombre de Ananta Chaturthi. Es considerado en India como uno de los eventos más alegres del año.

Cuándo y cómo se celebró por primera vez no puede ser precisado pero, investigando acerca de sus orígenes nos encontramos que los aspectos político sociológicos de los mismos son apasionantes: el Chaturthi era celebrado como evento público en Pune  desde los tiempos de Shivaji, el fundador del Imperio Maratha (1674). Fueron luego los Peshwas, administradores de facto de éste Imperio, tras la muerte del último hijo de Shivaji, quienes continuaron con la celebración en su sede administrativa de Pune, ya que Ganesha era su deidad familiar (1749 / 1818). Con la caída de los Peshwas, el Ganesh Chaturthi perdió el patrocinio del Estado y pasó a ser una celebración privada de ésta  familia hasta su resurgimiento por parte del luchador por la independencia de la India, Lokmanya Tilak, quién transformó el festival en nacional y anual y en un evento público bien organizado. Tilak supo ver en Ganesha la figura de la unicidad en la diversidad del pueblo indio a través de sus atributos y dones, catapultándolo así bajo el lema de "el dios de todos" y popularizó el Chaturthi como fiesta nacional a fin de "cerrar la brecha entre brahmanes y no-brahmanes", encontrando un contexto que posibilitara la construcción de una unidad de base entre las dos facciones y despertar el fervor nacionalista entre la población de Maharashtra contra el dominio colonial británico, gestión que llevó a cabo desde 1893 hasta su muerte (1920). Tilak fue el primero en instalar grandes imágenes públicas de Ganesha en los pabellones, y también estableció la práctica de inmersión en los cursos de agua de las imágenes públicas de la deidad en el décimo día después del Chaturthi. A partir del estímulo de Tilak, el festival facilitó la participación comunitaria (chequeos médicos, campamentos de donación de sangre, caridad para los pobres, etc.) y escenario para artistas: canto, danza, teatro; todos aspectos vigentes hasta nuestros días. En ése entonces sirvió como punto de encuentro de todas las castas y comunidades en un momento en que las reuniones sociales y políticas eran desalentadas por el control británico.

Modakas
Hoy el festival se ha transformado en la fuente de ingresos de varias regiones (Mumbai, Hyderabad, Bangalore y Chennai). Las celebraciones públicas son muy populares, cada comunidad compite entre sí para poner la estatua más grande y el mejor pandal. Algunas de las imágenes que se construyen para los desfiles pueden llegar hasta los diez metros. Las calles se tiñen con un polvo rojizo y la repostería cocinada en éste día - dicen - no tiene igual en toda India. El plato dulce principal es el modaka, otro dulcecito es el karanji, similar a las modakas en composición y sabor pero de forma semicircular. La celebración no hinduista del Chaturthi, el Ganesh Visarjan,  consta de 10 días a partir del Bhadrapada Shudha Chaturthi hasta el Ananta Chaturthi; a los 11 días, la estatua se toma por las calles en una procesión acompañada por baile, canto y fanfarria, simbolizando el retorno de Ganesha a Kailash. Al sumergir la estatua en el agua, se cree que el Dios se lleva con él todos los obstáculos y desasosiegos de los fieles. En los hogares individuales, la inmersión se realiza entre el quinto y el séptimo día, de acuerdo con las tradiciones familiares.

Sri Ganesha es la deidad protectora de la sabiduría, del conocimiento y la cultura, de artes y ciencias y de la oratoria y la poesía, por eso en su festival las artes y las letras tienen un espacio particular y resulta una plataforma para muchísimos artistas emergentes.

Es el superador de todos los obstáculos, entre ellos, los del camino espiritual. Como en India los elefantes son considerados animales de gran inteligencia, toman a Ganesha como el más inteligente de todos los dioses y el que, por lo tanto, otorga inteligencia, erudición y riqueza.

Representa todas las bondades de la religión, la dulzura de los ritos devocionales y del sentimiento de amor por la divinidad, por eso no lo vemos en ásanas o posiciones ascéticas. Su mano derecha se encuentra siempre en Abhaya Mudrá. Su barriga representa la iluminación, uno de sus colmillos está entero, el otro cortado (por su reyerta con la luna) en señal de discernimiento entre lo bueno y lo malo. Su trompita representa el Omkara. Con sus enormes orejas puede escuchar las plegarias de toda la humanidad y hay quienes dicen que su cabeza representa el Atman y su cuerpo a Maya. Representa el Om, mantra primordial, como nada puede ser hecho sin pronunciarlo, de aquí la práctica de invocar a Ganesha antes de empezar cualquier rito o emprender cualquier acción.

¡Feliz Chaturthi para todos!


María de la Cruz Rojo

miércoles, 19 de agosto de 2015

Indian Fashion Designers – Sabyasachi Mukherjee

"Hay palabras cuyo furor en determinada época propicia, de alguna manera, una pérdida de impacto semántico. “Ecléctico”, es una de ellas de un tiempo a ésta parte. Sin embargo, estamos convencidos que es el término que cabe rotundamente para hablar del diseño de Sabyasachi Mukherjee. Una pluralidad de estilos que engloba desde el rescate étnico /folklórico, hasta la vestimenta de los distintos actores sociales (desde gitanas, prostitutas, hasta las mujeres de clase alta), pasando por la influencia de Occidente. Todo en un mix perfectamente ensamblado para desarrollar “una marca con una fuerte perspectiva social”, de acuerdo con el diseñador... de reconocimiento (y clientela) tanto nacional como internacional, agregamos nosotros. Pero, ¿cómo ha llegado Sabyasachi hasta éste punto, tanto filosófico como concreto?



Natural de Kolkata, egresa en 1999 del National Institute of Fashion Technology, con tres premios mayores. Cuatro meses después, lanzó su propia marca Sabyasachi, contando en ése entonces con tres personas. A comienzos del 2001, continúan sus premios, pero fuera del instituto. Se hizo con el premio al joven diseñador más destacado, otorgado por el Femina British Council. Esto le valió una pasantía a Londres con Georgina Von Etzdorf, una ecléctica diseñadora. Regresó a India con muchas ideas vanguardistas y comenzó a proliferar en los comercios minoristas. En el 2002 debuta en el India Fashion Weeks, recogiendo excelentes críticas de la prensa nacional e internacional. Women´s Wear Daily lo definió como “el futuro de la moda india”. En la primavera del 2003 hace su debut en las pasarelas internacionales, haciéndose con el “Grand Winner Award” en el Mercedes Benz New Asia Fashion Week (Singapure), lo que pagó un viaje a Paris y dos worshops: con Jean Paul Gautier y Azzedine Aläia. Ése mismo año presenta su colección “Kora”, en el Lakme Fashion Week. En ésta oportunidad, contó nuevamente con la aprobación de la prensa, por su empleo de tejidos crudos y bordados artesanales. También en 2003 fue nombrado el “Mejor Diseñador de la India” en los MTV Lycra Style Awards y ganó el “Society Achievers Award” como el “nuevo mejor diseñador indio”. En 2004 continua su expansión internacional: participa en el Kuala Lumpur Fashion Week y en el Miami Fashion Week con una colección llamada “The Frog Princess”, la cual le da un estilo bohemio a los textiles indios. También en 2004 obtuvo la distinción de ser el único diseñador indio invitado al showcase del Milan Fashion Week, facilitado por la Cámara de Comercio Indio/Italiana. Al mismo tiempo, la revista de negocios Asia Inc. (con base en Singapure) lo votaba como una de los diez indios más influyentes en Asia. En 2005, su colección “The Nair Sisters” se inspiró en los bloques de impresión de mano, bordados, estampas bagru y el uso de algodón y otras telas tejidas a mano. La misma fue vendida en las tiendas  Browns & Selfridges, en Londres. En el 2006 hace su debut en el New York Fashion Week Spring Summer 2007. La misma fue aclamadísima y su marca comenzó a venderse por todo el mundo. La esencia de ésta colección está basada en el folklore, el glamour, la simplicidad, la arquitectura moderna y los detalles intrincados. Aquí una de las producciones en la cual su eclecticismo aparece muy marcado: la influencia de los pintores de los siglos XVII y XVIII se combina con bordados indígenas. En 2007 aumenta su participación en pasarelas: participa en el New York Fashion Week y en el London Fashion Week; además, en el Asia Nupcial 2007, India Lakme Fashion Week y en el evento debut de Vogue en India. En éste medio tiempo, se convirtió en el primer diseñador indio en participar en las tres principales semanas de la moda: New York, Milán y Londres. En el 2008 lanzó una línea de joyería exclusiva, diseñada por él en asociación con GAJA. En el 2009 lanzó su colección exclusiva de menswear en el Grand Finale del Lakme Fashion Week Spring Summer. En el 2011, debutó con sus diseños en la alfombra roja del Festival de Cannes. En el 2012 cerró el PCJ Delhi – Couture con su colección “Moon”, inspirada en cinco ciudades: New York, Kolkata, Berlín, París y Barcelona. En marzo de éste año, su colección Resort estuvo inspirada en el cine de Bollywood de los 70´:


Vestidos largos, ceñidos, de impresionantes bordados de lentejuelas, vestidos boho, vaporosos, túnicas y pantalones brillantes. De hecho, los brillos, como la espectacular puesta en escena, han sido protagonistas. Ésta propuesta se aleja un poco del modelo purista / sociológico del diseñador, lo cual le ha valido algunas críticas a sus posiciones respecto de ésta colección. Veamos por qué.

Éste curriculum impresionante se encuentra sustentado por la filosofía de Sabyasachi: la perspectiva social, que mencionáramos anteriormente. El diseñador pone un marcado énfasis en generar consciencia para sus artesanos, lo cual supone la conservación del patrimonio textil indio, además de un oficio con el cual poder sustentarse para los trabajadores. El recobrado interés de los jóvenes por el telar manual, es algo que, según él, debe ser aprovechado; incitar el uso de trajes tradicionales indios realizados en telar manual es, al mismo tiempo, una manera de generar una demanda que reavive el sector. Para ello, la riqueza de su labor consiste en “revivir las viejas tradiciones de la India que han sido olvidadas o perdidas porque no han sido económicamente viables (…) simplemente revivir las cosas como estaban en un punto en el tiempo mediante la creación de una ideología más purista”. Más purista para su clientela. Este purismo se encuentra en relación con el Ser Indio, con la identidad india. Su estrategia para ello es la exposición de sus diseños en la cultura popular, ¿el medio? Las divas de la subcultura de Bollywood.

A esto le suma una búsqueda por mantener una producción con un “balance no comercial” plantándose ante una industria agresiva, competitiva y… comercial. Podemos ejemplificar ésta postura con su proyecto SAVE THE SAREE, a través del cual se adquieren sarees indios tejidos a mano a un precio básico sin fines de lucro. La totalidad del valor de las ventas va destinado a los trabajadores de Murshidabad. Aún más dentro del área textil: Sabyasachi supo ser pionero en el empleo de textiles tradicionales en contextos modernos. Tiene una contribución única en la utilización de métodos autóctonos como el bandhani, el gota, la xilografía o el teñido a mano, en la construcción de siluetas modernas, lo cual es definido por él como “un estilo internacional con alma india”.  Sin duda la quintaesencia de India está presente en su producción: ha reavivado el desarrollo de textiles de Dastkarin (Andhra Pradesh), Kotpadin (Orissa) y Banarasi, entre otros. Por ello creemos que su discutida Resort 2015 tiene una razón de ser, que podremos avisorar a partir de las colecciones siguientes, ya que luego de toda ésta reseña, descubrimos que a nuestra primer adjetivación hay que sumarle otra al hablar de Sabyasachi Mukherjee: coherencia."

Éste material fue realizado para nuestro blog profesional Croix Imagen, en el que abordamos con la misma pasión los temas relativos a India, en éste caso, con foco en la moda y la vestimenta.

María de la Cruz Rojo


Fuentes


miércoles, 12 de agosto de 2015

Diferentes formas de llevar un saree

"Aquellos que no se han adentrado en un estudio relativamente profundo de India y su cultura, suelen creer que la vestimenta tradicional de India es el saree. Esto es parcialmente cierto, el saree es una de las prendas tradicionales, pero no la única. A su vez, tampoco hay una única forma de llevarlo, y en éste punto se centra el artículo de hoy. Podemos trazar dos grandes categorías: los estilos por regionalismos y los aportes que los diseñadores muestran en las pasarelas actuales.

En el primer caso, nos encontramos con una búsqueda de la mujer india de usar de manera diferente sus entre 6 y 9 metros de tela. Así han surgido estilos distintivos:



El estilo Nivi es hoy en día la forma más popular de llevar el saree, también conocido como el “estilo de las azafatas”, ya que es el favorito de las que trabajan en Indian Airlines. Consiste en armar el outfit de la misma forma que el saree normal, excepto que los pliegues se mantienen juntos muy clara y firmemente con la ayuda de prendedores. El Pallu (1) se lleva caído hacia la parte de atrás del hombro y se sostiene con el brazo izquierdo.

El estilo Gujarati, conocido como Seedha Pallu trabaja el drapeado de manera similar al Nivi, luego, el extremo suelto se toma de la parte posterior y se pasa hacia adelante cubriendo el hombro derecho y se asegura en la parte posterior, quedando el pallu en la parte delantera del cuerpo. Es un estilo un poco más conservador. También es llevado en Uttar Pradesh, Madhya Pradesh, Rajastán y Bihar.

Por su parte, el estilo Bengalí está libre de pliegues. El saree cubre todo el cuerpo y el pallu se deja suelto colgando sobre el hombro izquierdo. La belleza de éste estilo radica en su soltura, es, a su vez, muy cómodo de llevar y tiene suficiente tela para cubrirnos en días lluviosos o demasiado soleados.

El estilo de Maharashtra, permite una gran libertad de movimientos dado que una porción del saree es armado entre las piernas y su centro queda perfectamente colocado atrás de la cintura, mientras que sus extremos se atan de forma segura en la parte frontal. Luego, los extremos decorativos se fijan sobre el hombro y son ceñidos en la parte superior del cuerpo o torso.

El estilo Coorgi consiste en atar los pliegues en la espalda e lugar de la parte delantera y se coloca una pequeña porción del pallu sobre el hombro. Hoy en día éste estilo es llevado durante las fiestas tradicionales de las mujeres Coorg.

El estilo Tamil, refiere a los sarees de seda que usan en ocasiones especiales las mujeres de Tamil Nadu. Las mujeres Tamil envuelven el saree alrededor de la cintura y los pliegues se arman sobre la pierna izquierda. El resto del saree se toma sobre el hombro izquierdo, se envuelve nuevamente sobre la cintura y se dobla sobre el lado izquierdo.

Todos estos estilos reflejan las distintas culturas y raíces étnicas que encontramos en India. Por su parte, las pasarelas nos ofrecen aún más opciones, enrollar el pallu y agregarle accesorios por sectores; añadir un cinturón delgado; ganar en texturas: usar un gran broche sobre el hombro, usar pantalones – incluso jeans - por debajo (evitando el uso de enaguas) y zapatos sobresalientes y hasta combinarlos con chaquetas cortas.

Los sarees indios, llevados de acuerdo a los usos tradicionales o actuales, nos ofrecen una miríada de opciones coloridas en una prenda siempre femenina. 

Por lo demás, nos agrada la idea de haber llevado una pequeña gran diferencia en lo que refiere a moda y vestimenta en la India." (2)


María de la Cruz Rojo
para Croix Imagen


Notas


(1)   El pallu es la sección más decorada de la tela, que cae sobre el hombro al finalizar de enrollarlo sobre el cuerpo.

(2) Éste material fue realizado para nuestro blog profesional Croix Imagen, en el que abordamos con la misma pasión los temas relativos a India, en éste caso, con foco en la moda y la vestimenta.

Fuentes